L'illuminazione controlla ciò che il pubblico vede sul palco e dove l'attenzione è focalizzata, quindi dal punto di vista di un coreografo, un riflettore fisso può evidenziare un particolare ballerino o movimento, o creare una sensazione di isolamento sul palco. Nello spettacolo di Broadway Il Re Leone , coreografato da Garth Fagan, un punto fisso viene utilizzato per aumentare l'impatto emotivo di molte scene, inclusa quella in cui Simba è inseguito da un branco di iene diaboliche, interpretate dall'ensemble di danza. I ballerini si aggirano per il palco e riportano il cucciolo di leone in un angolo, dove viene illuminato con un riflettore fisso.
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Quando un ballerino si sposta in un punto, sperimenta punti ciechi temporanei fino a quando le pupille dilatate possono adattarsi alla luce più intensa. Questo effetto accecante temporaneo potrebbe farti perdere l'equilibrio. LaMae Caparas, ex membro dell'ensemble di Il Re Leone , consiglia di resistere alla tentazione di guardare direttamente in una lampadina del faretto puntata su di te dalla casa o dal balcone. Per individuare una svolta, 'guarda oltre o appena sotto la luce', dice LaMae, 'altrimenti sarai accecato [per il resto della danza]'.
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Faretti mobili
I faretti mobili danno lo stesso effetto di messa a fuoco di un punto fisso, ma consentono una maggiore gamma di movimento sul palco. Nel STOMP , uno spettacolo off-Broadway creato da Steve McNicholas e Luke Cresswell (che ha anche progettato gli schemi di illuminazione dello spettacolo), i ballerini creano una sinfonia usando oggetti ordinari. In un numero chiamato 'Mani e piedi', ogni ballerino esegue un assolo di quattro battute sotto i riflettori in movimento, spiega Stephanie Marshall, membro del cast. Un avvertimento è che qualsiasi movimento al di fuori del punto è perso nell'oscurità e muoversi con una luce preprogrammata non è così facile come si potrebbe pensare. 'Dobbiamo assicurarci che i nostri movimenti riempiano lo spazio illuminato senza essere così grandi da uscire dalla luce', dice Marshall, aggiungendo che rimanere nella luce mentre si eseguono le mosse ultra fisiche dello spettacolo è difficile.
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I membri del cast fanno affidamento su un gran numero di prove per sviluppare una consapevolezza intrinseca sia dei loro movimenti che del posizionamento - altrimenti, il palco può trasformarsi in un luogo pericoloso. â € œ STOMP è un pezzo d'insieme, quindi l'accuratezza diventa molto importante, artisticamente e per ragioni di sicurezza. Assicurarti non solo di essere nel punto corretto per sostenere l'impatto di un palo che ti oscilla in aria, ma anche di essere nel punto corretto [nella luce] per essere visto mentre lo fai può essere una sfida, â € disse Marshall.
Luci stroboscopiche
Se pensavi che le luci stroboscopiche si trovassero solo alle dolci sedici feste e ai rave techno, ripensaci. I flash possono creare effetti abbaglianti sul palco e possono anche essere un'enorme distrazione per i ballerini. In David Parsonsâ € ™ Catturato , le luci stroboscopiche creano l'illusione del volo. I salti del ballerino sono programmati per coincidere con i lampi di luce in modo che il pubblico non veda mai i suoi piedi toccare il suolo. La preparazione è intensa: il ballerino prova in uno studio completamente buio per imparare a passare attraverso la coreografia e il tempismo senza la distrazione dello strobo. Quando viene aggiunto lo strobo, Parsons ordina al ballerino di guardare ovunque sul palco tranne direttamente le lampadine stroboscopiche quando sparano.
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Individuare una svolta sul palco con luci stroboscopiche può disorientare e sfortunatamente non esiste un trucco rapido per renderlo più facile. Per evitare di essere buttati fuori, i ballerini devono fare affidamento su molte prove e anni di formazione tecnica. Parsons esorta anche i ballerini a non lasciare che gli effetti di luce li eccitino. 'Quando c'è una luce intensa nei tuoi occhi, [è possibile] sentirti a tuo agio e lavorarci sopra', dice. 'Sarai sorpreso del risultato, ma ci vorrà comunque molta pratica.'
Luci spente
Ballare nella completa oscurità può sembrare inutile, ma sbiadire le luci del palcoscenico fino a quando i ballerini non si sono sistemati nell'oscurità totale, spesso chiamato 'dissolvenza nel nero', è una tecnica utilizzata dai coreografi per creare un effetto drammatico - senza perdere i ballerini completamente.
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In Jerome Robbinsâ € ™ Pezzi di vetro , eseguita dal New York City Ballet, il palco inizia relativamente buio. Mentre il corpo entra e striscia attraverso il palco, le luci prima si accendono da destra, apparentemente viaggiano attraverso il palco, poi svaniscono lentamente da sinistra fino a quando il palco è di nuovo buio. Individuare una svolta durante un brano così poco illuminato è semplice come guardare il pubblico, afferma Taryn Wolfe, membro del corpo di New York. 'Quando sei su un palcoscenico buio, non è mai completamente buio', dice Wolfe. 'Ci sono sempre luci di casa lungo i corridoi e su tutti i balconi, quindi quando devo accendere il palco trovo sempre una luce in casa da individuare'. Wolfe sottolinea anche che un pericolo inaspettato per chi ha paura del palcoscenico è che poiché il palco è così buio, puoi vedere i volti delle persone tra il pubblico.