La coreografa contemporanea Jessica Lang ha un talento per il drammatico. Sia che circondi i suoi ballerini con grandi scene realistiche o che li collochi in un mondo di scena più astratto, la sua coreografia è appassionata e le emozioni degli artisti sono quasi tangibili. Lang, un laureato alla Julliard che si è esibito con la compagnia di Twyla Tharp, spiega: 'Non è che faccio balletti di storie, ma mi piace concentrarmi sull'avere uno scopo e un punto.'
Nei 10 anni trascorsi da quando Lang è entrata nella scena coreografica, ha creato lavori per ABT II, Pennsylvania Ballet, Richmond Ballet, Ailey II, The Washington Ballet e molti altri. E non lavora solo con professionisti: Lang insegna composizione e lezioni moderne nei programmi estivi di ABT e spesso fa residenze universitarie.
Ma prima di fare scalpore nel mondo della danza contemporanea, Lang, originaria della contea di Bucks, PA, era una ballerina competitiva alla School of Dance Arts di Miss Jeanne e una studentessa della Pennsylvania Academy of Ballet, tra le altre scuole. Il suo percorso è cambiato all'età di 13 anni, quando ha incontrato il maestro di jazz Joe Lanteri a una competizione. 'Ha detto 'Hai talento, vieni a prendere la mia lezione'', ricorda. 'Mia madre e io finimmo per andare in macchina a New York tutti i pomeriggi in modo da poter prendere lezioni allo Steps on Broadway.' Lanteri ha incoraggiato Lang a rivolgersi alla Juilliard. È stata accettata e mentre era lì si è interessata alla coreografia insieme alla performance. Continua a leggere per saperne di più da questo dinamico ballerino.
DS : Perché sei passato da ballerino a coreografo?
Jessica Lang: Durante il tour con Twyla, mi sono reso conto che mi mancava il processo di creazione del lavoro. Ho visto una pubblicità per il concorso di coreografia di Hubbard Street 2 e ho inviato loro un video di un pezzo che avevo coreografato da studente alla Juilliard. Sono stato selezionato come uno dei due vincitori, insieme a Robert Battle! In quel periodo avevo anche iniziato a inviare i miei filmati alle compagnie di balletto, e John Meehan della ABT's Studio Company, ora ABT II, mi ha commissionato subito dopo aver vinto il concorso di Hubbard Street. La mia terza commissione è stata su raccomandazione di John Meehan, per la coreografia del Pennsylvania Ballet. È esploso abbastanza velocemente: entro un anno dalla mia partenza da Twyla, stavo coreografando per compagnie professionali!
DS: Qual è la tua filosofia coreografica?
JL: Mi piace sentire qualcosa quando guardo la danza. Mi piace essere portato in una sorta di viaggio ed essere attratto non solo intellettualmente ma anche emotivamente. Tutto il mio lavoro è generato attorno a un concetto, sia che l'ispirazione sia una scultura, la musica o una collaborazione con uno scenografo. Voglio sempre una linea completa in modo che l'intero pezzo supporti l'idea generale.
DS : Qual è il tuo processo quando crei un pezzo?
JL: Ogni volta è leggermente diverso. Dato che sono freelance, le aziende mi chiedono molte cose diverse. Con una commissione, una compagnia può stabilire dei limiti per la musica, i ballerini utilizzati, lo stile di movimento e altre variabili. Nel frattempo sogno e penso sempre e quando ricevo una commissione cerco di far funzionare una delle mie idee. Ad esempio, nel 2001 ho incontrato un pittore di nome Will Barnet. Un amico mi ha mostrato i suoi dipinti - ha questa serie chiamata 'Le donne e il mare' - e ne sono stato immediatamente ispirato. Ma non ho creato un'opera basata su di loro fino al 2007, una commissione per il Richmond Ballet. Mi hanno dato totale libertà e ho detto loro che avrei voluto fare un pezzo sul lavoro di Will Barnet. Inoltre, avevo lavorato con i designer dell'azienda e sapevo che sarebbero stati meticolosi nel realizzare i dipinti. È stato un buon adattamento.
DS : Quali strumenti sono stati più preziosi per te come coreografo attivo?
JL: Una cosa che ho imparato guardando Twyla è stato il modo in cui ha usato la videocassetta. Avrebbe improvvisato con la videocamera in funzione, e il giorno dopo saremmo entrati e avrebbe unito tutto per fare una frase. Quell'idea mi ha davvero aiutato all'inizio, perché spesso avevo troppo materiale nella mia mente. Grazie a Twyla, ho capito che se sistemavo una videocamera in un angolo e mettevo la mia musica, avrei potuto materializzare il movimento che stava accadendo nella mia mente. Il nastro lo stava catturando che non dovevo ricordare mentre creavo.
DS : Puoi parlare del tuo processo quando lavori con gli studenti?
JL: Al Kaatsbaan's Extreme Ballet Program, sono stato assunto per insegnare composizione e improvvisazione e mi è stato chiesto di mostrare qualcosa per la performance finale. Dopo che gli studenti hanno lavorato sui loro studi di composizione per alcune settimane, ho scelto quale movimento sarebbe andato nella proiezione finale e ho organizzato chi ha fatto cosa, dove e quando, e poi gli studenti hanno insegnato i loro movimenti l'un l'altro in base alla mia direzione. In questa situazione mi considererei un editore piuttosto che un creatore. Quando ho iniziato a insegnare per gli intensivi estivi dell'American Ballet Theatre, sono stato assunto per insegnare moderno e per coreografare un pezzo per lo spettacolo finale. Mi piace mantenere le mie creazioni coreografiche separate da ciò che considero lavori di insegnamento, e così per ABT ho anche chiesto agli studenti di creare il movimento. Quindi lo modifico insieme. È una preziosa esperienza di apprendimento per loro perché è raro che uno studente di danza classica entri in contatto con questa responsabilità creativa durante la sua formazione.
DS : Qual è la differenza tra lavorare con studenti di danza moderna e balletto?
JL: Gli studenti moderni tendono ad essere più aperti a provare qualsiasi cosa, mentre gli studenti di balletto tendono ad essere più riservati ma raffinati. Essere un buon ballerino tecnico o un ballerino che ha una bella struttura fisica non significa che il ballerino sia un buon ballerino o artista. Indipendentemente dal fatto che i ballerini si concentrino sul moderno o sul balletto, è sempre un piacere vedere un ballerino che ha una vera abilità artistica, la passione di esprimerla ed è desideroso di imparare.
DS : Cos'altro ti piace vedere dei giovani ballerini?
JL: Mi piace guardare gli studenti crescere dopo essere stati esposti a qualcosa di nuovo. Che sia attraverso la coreografia, la lezione o una gita per vedere uno spettacolo, essere esposti a molti elementi diversi di arte e danza dà loro la possibilità di iniziare a definire chi sono come ballerini.
DS: Che consiglio daresti ai coreografi principianti?
JL: Durante le prove, concentrati sulla comunicazione chiara delle tue idee. Niente è più frustrante che avere un gruppo di ballerini che ti fissano, in attesa o essere un ballerino che fissa qualcuno in attesa che succeda qualcosa. Apprezza lo sforzo nella stanza e crea un'atmosfera in cui tutti lavorano per lo stesso obiettivo. Essere un leader del genere è un talento in sé.
Suggerimenti per il mestiere
Il consiglio di Jessica Lang per i ballerini che vogliono coreografare
- Aggiungi lezioni creative, come composizione e improvvisazione, al tuo programma di formazione.
- Vai a vedere la danza. Puoi imparare dai maestri coreografi di tutti gli stili guardando il loro lavoro sul palco.
- Presta attenzione ai processi creativi dei coreografi quando balli nei loro pezzi. Nota cosa funziona e cosa no e come gestiscono le sfide che si presentano. Come potresti utilizzare alcune delle loro abilità se fossi nella parte anteriore della stanza?
- Immergiti nelle cose che ti ispirano: musei, natura, musica. Nota cosa ti fa venir voglia di muoverti e lascia che la tua immaginazione vaghi.
- La mia insegnante di composizione alla Juilliard, Bessie Schoenberg, ci ha detto che dobbiamo 'fare'. Gioca con il movimento il più spesso possibile. È l'unico modo per esercitarsi.
Kathryn Holmes è una scrittrice e ballerina di New York.