Devo essere reale: formula per l'autenticità

Nel mio precedente articoloDeve essere reale: auto-riflessione e rendere il momento importante, Ho citato una formula che uso per mettere insieme le mie performance. Ancora una volta, questo non ha lo scopo di dire cosa è giusto o cosa è sbagliato, ma volevo condividere alcuni punti che mi hanno aiutato nella mia carriera, e spero che possano aiutarti anche nella tua. Per iniziare, vorrei ricollegarlo all'autenticità ... Che tu stia preparando un set per il tuo club abituale o mettendo insieme uno spettacolo personalizzato per un matrimonio, ci sono alcune cose universali di cui dovremmo sempre essere consapevoli. La prima cosa è il filemusica. Tradizionalmente, la maggior parte delle canzoni che usiamo per la danza del ventre sono originariamente in arabo. Ci sono molte versioni strumentali delle canzoni, ma personalmente mi piace usarne alcunecanzoni con testinel mio spettacolo. Questo in genere incoraggia il coinvolgimento del pubblico e attira la loro attenzione. Ma fa attenzione! Consiglio vivamente di tradurre i testi delle canzoni in cui scegli di ballare. Non riesco nemmeno a contare il numero di volte in cui ho visto ballerini adorabili, tecnici e talentuosi ignorare completamente i testi della canzone e dare un messaggio contraddittorio attraverso la loro performance. Ad esempio, se la canzone che scelgono contiene parole di dolore, dolore e crepacuore, ma stanno ballando con un enorme sorriso sul viso, usando mosse 'civettuole', questo fa sì che il pubblico consideri questa performance come genuina, priva di autenticità e forse anche ignorante! L'ultima cosa che vogliamo fare è offendere i membri del nostro pubblico facendo qualcosa che travisa la loro cultura. Al contrario, vogliamo mostrare che la bellezza di questa forma d'arte continua a diffondersi nel mondo occidentale.

Questo è direttamente correlato al secondo punto di autenticità nell'esecuzione: quello di un ballerinoespressione. Spesso mi piace pensare ai ballerini come ad artisti che illustrano la musica con i movimenti dei loro corpi. Strumenti diversi ispirano diversi tipi di movimento, proprio come testi diversi provocano emozioni diverse. In una buona performance, queste cose sono equilibrate e in sintonia. E l'espressione va oltre un 'occhiolino e un sorriso'. L'espressione implica presenza e compostezza. Si tratta di diventare un personaggio diverso, assumere una persona diversa. Qualcosa di cui non ci rendiamo conto è che quando siamo sul palco, le persone ci percepiscono come delle brillanti superstar perché è quello che vedono. Ed è quello che dovrebbero vedere. Possiamo usare i nostri sentimenti per 'ballare ciò che sentiamo', ma non dovremmo mai rompere il carattere o dimenticare che siamo intrattenitori. Pertanto, le espressioni che usiamo per abbellire la nostra danza dovrebbero essere relative alla nostra musica, allo stile di danza che stiamo eseguendo e al messaggio dietro ogni stile. Mi rendo conto che quando ballo pezzi classici, tendo ad esprimere un lato più vulnerabile di me stesso, ma quando ballo Saidi, sono molto più giocoso. Tuttavia, quando concludo il mio set con un fileassolo di batteria, Mi sento più potente.

Essere in grado di esprimere questi diversi aspetti della nostra personalità fa un'enorme differenza nella nostra performance e mantiene l'attenzione del nostro pubblico. Avere espressioni dinamiche è importante tanto quanto avere musica dinamica nella tua performance. Ma ancora una volta, queste espressioni non possono essere forzate o innaturali. L'unico modo per canalizzare queste espressioni autentiche è attraverso l'educazione e l'esposizione, attraverso l'apprendimento e la pratica.

L'ultimo elemento di autenticità di cui voglio parlare ècostumi. Se includi un brano folcloristico nella tua performance, è importante conoscere il costume corrispondente che lo accompagna. Certo, nei nostri spettacoli di 30 minuti nei club, non possiamo permetterci il lusso di cambiare i nostri costumi più volte. Tuttavia, essere consapevoli dell'abbigliamento corretto e approfittare dell'uso del costume appropriato quando possibile ti rende più credibile come ballerino professionista per il tuo pubblico. Ma non indossare ungalabeyaper un pezzo Saidi o Beledi non è così problematico come i ballerini in costume 'quasi nulla' indossano quando ballano i classici di Oum Kalthoum. Dico spesso che Internet è sia una benedizione che una maledizione. Vediamo centinaia di video di ballerini che diventano virali a causa del loro comportamento meno che di classe e dei costumi rivelatori. Ancora una volta, ognuno ha diritto alla propria opinione su questi ballerini e tutti dovrebbero indossare il costume in cui si sentono a proprio agio.

È importante conoscere il tuo pubblico. È importante considerare l'evento o l'occasione per cui ti stai esibendo. Inoltre, tieni presente che qualcuno alle tue esibizioni potrebbe vedere la danza del ventre per la prima volta. Come vuoi che ricordino la loro prima esperienza? Come vuoi che formulino le loro opinioni su questo stile di danza? Ci assumiamo molte responsabilità quando rendiamo pubblico ciò che facciamo. Decidi attentamente e agisci di conseguenza in tutte le esibizioni. Oh! E la tua 'performance' non inizia quando la tua musica inizia o finisce quando ti inchini. Va ben oltre. La tua performance inizia dalla prima interazione che hai con il cliente al momento della prenotazione della performance e si estende fino alle foto post-show che scatti con i tuoi fan. Tante volte ho sentito persone esprimere le loro opinioni sui ballerini in base a quanto fosse piacevole o simpatico il ballerino, indipendentemente da come ballava! Sii sempre amichevole ed educato, ma sicuramente mantieni la tua posizione quando ti senti come se venissi maltrattato sul lavoro.

Olga 'Shamiram' Kramarova è un'appassionata performer, istruttrice e coreografa la cui conoscenza di varie musiche e danze culturali include danza araba / del ventre, danza persiana, danza armena, dabke, danza indiana, danza popolare russa, samba brasiliana, flamenco spagnolo, ballo da sala e balli latini. Attualmente è direttrice, solista e coreografa della Negma International Dance Company e ballerina principale della Spanish Dance Company di Roberto Amaral. Quando non balla, Olga lavora come professore di statistica, metodi di ricerca e psicologia cognitiva presso la California State University, Northridge, nonché ricercatore UX per YouTube. Si è esibita e continua a esibirsi in diversi locali in tutta la California, così come in tutto il mondo.